Musicalidades

Paul McCartney volta para o passado

2012-01-10T17:29:00.000-08:00

Há tempos que Paul McCartney acalentava esse sonho. Afinal de contas, as canções que nortearam sua infância e a adolescência, vindas principalmente de filmes musicais do cinema, ainda permaneciam em sua mente. E finalmente a ideia saiu do papel, com o velho Macca assumindo o papel de crooner no melhor estilo anos 40/50.

Kisses On The Bottom é basicamente um disco de releituras. Contém apenas duas canções inéditas: My Valentine (parceria com Eric Clapton) e Only Our Hearts, esta última tocada em parceria com outra lenda, Stevie Wonder, com quem já tinha trabalhado nos anos 80 em duas canções, sendo Ebony And Ivory a mais célebre delas.

As duas inéditas, aliás, seguem o mesmo tipo de arranjo das releituras das canções antigas. McCartney fez questão de manter uma sonoridade limpa e básica, semelhante a de um disco antigo dos anos 40, mantendo-se fiel a trilha sonora de sua infância.

Para o público brasileiro, talvez seja um pouco difícil reconhecer as canções eleitas por McCartney para esse disco. Paper Moon é uma das mais próximas, por conta de ter sido regravada também por Natalie Cole no disco tributo ao seu pai, Nat King Cole, nos anos 80. Algumas das pérolas musicais escolhidas foram originalmente interpretadas por nomes como Fred Astaire. Ou compostas por ícones como Cole Porter e Harold Arlen, entre outros.

Ac-Cent-Tchu-Ate The Positive, de Harold Arlen, é uma faixa que exemplifica bem a sonoridade que MCCartney definiu para o disco. Uma batida jazzística bem na linha do já citado mestre Nat King Cole. E uma interpretação recheada de respeito de McCartney pelos seus ídolos.

My Very Good Friend The Milkman, escrita por Johnny Burke, também foi regravada por Eric Clapton em um de seus discos mais recentes. Curiosamente, tanto Clapton como McCartney são britânicos e viveram a infância no auge dos musicais de cinema. Isso talvez explique a paixão que ambos nutrem por essas composições antigas.

Bye Bye Blackbird nada tem a ver com Blackbird, composição de estilo folk de McCartney incluída no mítico Álbum Branco dos Beatles. Trata-se na verdade de uma canção escrita em 1926, por Ray Henderson e Mort Dixon.

Para os beatlemaníacos, Kisses On The Bottom pode ser uma decepção pelo simples fato de ter pouca produção própria de McCartney. Porém, quem for esperto e ouví-lo com a devida atenção, irá perceber de onde o velho Macca buscava tanta inspiração para compor as suas próprias obras-primas. E cá entre nós: quem coleciona Beatles, vai acabar comprando o disco de qualquer jeito.

Quando o blues e o jazz se unem

2011-11-08T08:05:00.000-08:00

Quando soube desse disco, fui logo buscando informações pela internet. Eric Clapton, lenda viva do blues e do rock, resolve unir forças com ninguém menos do que o também lendário músico de jazz Wynton Marsalis. Em comum, os dois são defensores da tradição de seus respectivos estilos musicais. Frequentemente gravam discos mantendo-se fiéis aos arranjos originais.

Nesse trabalho registrado em disco ao vivo, batizado como Pay The Blues, a proposta foi um pouco mais ousada. Foi montada uma banda aos moldes antigos, com ênfase no naipes de metais, ao estilo do jazz que era praticado em New Orleans, nos Estados Unidos, no início do século passado. E escolheram um repertório com clássicos dos anos 40/50, além de uma releitura pouco convencional de Layla, de Clapton.

O disco segue a linha musical do mestre Big Joe Turner, um músico que fez bastante sucesso no final dos anos 50, que foi um dos responsáveis pelo que viria a ser conhecido como Rock´n Roll nos anos seguintes. Não por acaso há uma composição feita em sua homenagem e a releitura de Corina Corina, um hit de seu repertório que fez sucesso até no Brasil com outros intérpretes.

Na prática, a sonoridade mescla o jazz tradicional com o rock´n roll dos anos 50, que naquela época tinha uma presença muito forte do blues tocado com guitarra elétrica.

Para os puristas, ouvir Layla com um arranjo bastante modificado em relação ao original pode ser um choque no início. Mas depois da segunda audição, o ouvinte se convence que a proposta é bem interessante e acaba gostando do resultado final.

Pay The Blues é um projeto conceitual, ou seja, fora dos padrões convencionais dos dois músicos. Foi mais um ponto positivo para a carreira do mestre Clapton, que se associa de forma brilhante a outro mito (Marsalis).

O soul man está de volta

2011-02-28T17:51:00.000-08:00

Certas vozes têm o dom de transportar nossas mentes para um tempo diferente do atual. E impressionam pela qualidade perene que desenvolvem apesar do passar dos anos. Como um bom vinho, elas se aprimoram a cada ano que passa.

Com o cantor de soul Percy Sledge, esta máxima prevalece. Seu disco lançado recentemente, My Old Friend The Blues, é muito mais do que um resgate do passado. Ele provou que sua música atravessou décadas. E ainda serve como referência para a música pop. É uma verdadeira aula de soul para os intérpretes iniciantes.

Para quem não se lembra, Sledge é o cantor que lançou em 1966 o antológico hit When A Man Loves A Woman, que foi regravado várias vezes ao longo dos anos. Mas nenhuma versão conseguiu superar a sua, que continua mais atual do que nunca.

O disco tem 14 faixas, a maioria delas com canções que ele ainda não havia gravado. Curiosamente, os arranjos saudosistas sugerem que elas soem como seus antigos hits. Shinning Through The Rain, por exemplo, tem arranjo calcado na soul dos anos 60, com os metais e a guitarra marcando o ritmo.

A voz de Percy Sledge oscila de forma coerente entre o amargo e o doce. Um timbre agudo que parece querer rasgar os corações a sua volta. Mas que também consegue ser doce ao cantar as indefectíveis baladas soul que pontuam seu repertório desde os anos 60.

Voltando ao disco, as faixas contém canções com influências do folk e soul. E claro, o velho amigo blues também comparece na faixa Big Blue Diamonds. A balada soul Misty Morning só confirma que o mestre continua em plena forma. Impossível não se deixar emocionar com essa sua interpretação.

Infelizmente, o CD ainda não chegou ao mercado brasileiro. E é bem provável que nem seja lançado. Uma pena, pois um artista com a tradição de Percy Sledge merecia um espaço bem maior do que é disponibilizado no mercado fonográfico, que se limita apenas a lançar coletâneas de seus antigos hits.

De volta ao passado

2010-09-27T20:28:00.000-07:00

Poucos discos me empolgaram tanto quanto o último de Phil Collins. Ainda que seja um disco inteiro com covers dos anos 60/70, feito basicamente do som da gravadora americana Motown, é um trabalho passional, no qual Collins busca olhar para trás, mostrando o tipo de som que norteou o seu início na música. O que levou a escolher a profissão de fé na qual se consagraria como um dos maiores nomes do pop rock mundial.

O disco tem vários bons momentos. Collins buscou canções que se moldam bem ao seu estilo de vocal. Mas é preciso entender que ele é britânico e de cor branca. Ou seja: por mais que tente render tributo ao estilo soul, sempre faltará um algo mais, que só um vocalista negro (ou afrodescendente) poderia acrescentar.

Para gravar o disco ele reuniu os músicos que tocavam no estúdio da Motown, apelidados de Funk Brothers. Com seu time de amigos, fez uma cozinha ritmica impecável, que pode ser notada nas faixas Heatwave e Girl (Why You Wanna Make Me Blue). O resultado falha um pouco em canções como Papa Was A Rolling Stone. Mas nas de formato pop, feitas para tocar em rádio, Collins deita e rola à vontade.

A faixa título, Going Back, é de uma rara beleza. Não se sabe bem se é uma despedida (ele enfrentou sérios problemas de saúde nos últimos anos) ou apenas um olhar saudosista para o passado. Mas é certo que a melodia de Carole King e a letra de Gerry Goffin caíram como uma luva para o momento que ele atravessa.

Para ter uma amostra de seu trabalho, escolhi Heatwave, pelo clima alto astral e principalmente pela competência da produção, que parece ter colocado Phil Collins em uma máquina do tempo e transportado para os anos 60.

20 anos sem Cazuza

2010-07-23T19:02:00.000-07:00

Atendendo a pedidos, reproduzo no blog o texto publicado pelo Jornal A Tribuna no dia 9 de julho, sobre os 20 anos da morte de Cazuza, o Poeta do Rock Nacional.

Seu partido era nada mais do que um coração partido. E 20 anos depois da morte do poeta do rock, Cazuza, ainda continuamos como aquele menino que queria mudar mundo imaginava que estaríamos: assistindo a tudo em cima do muro.

Agenor de Miranda Araújo Neto, o Cazuza, nasceu na Cidade Maravilhosa. Foi exagerado talvez nas palavras e no seu jeito de viver, sempre nas curvas na estrada. Mas, solidão, que nada. Como vocalista do Barão Vermelho, catalisou um momento mágico do rock nacional na década de 80, ao interpretar clássicos como Bete Balanço, Todo Amor Que Houver Nessa Vida e Pro Dia Nascer Feliz. E firmou uma sólida parceria musical com Roberto Frejat, guitarrista do grupo.

Suas letras refletiam uma melancolia incomum. Tanto que quem escutava logo se identificava com os compositores clássicos da MPB, como Lupicínio Rodrigues e Dolores Duran. Dois nomes que aliás foram importantes em sua formação artística.

As desavenças pessoais com os demais integrantes do Barão Vermelho acabaram por empurrá-lo em uma carreira solo que teve sucesso fugaz. Os dois primeiros discos emplacaram hits nas rádios. Mas foi com Ideologia, o terceiro álbum solo, que ele deu um salto de qualidade em seu trabalho.

Virou porta-voz da nação ao comparar o Brasil com uma festa onde você é barrado enquanto os corruptos se aproveitam da situação. Mas também era capaz de emocionar ao transformar uma simples canção pop em um clássico em ritmo bossa nova. Faz Parte do Show foi trilha sonora de novela e da vida de muitos que viveram com intensidade os anos 80.

Gravou um disco ao vivo, que conta com o clássico O Tempo Não Para, cujo clipe causou polêmica por mostrá-lo cuspindo em uma bandeira nacional jogada no palco.
A sua atitude agressiva refletia que a píscina de Cazuza estava mesmo cheia de ratos. A Aids, resultado de uma vida vivida sem limites, começava a cobrar o preço de seus excessos.

Ainda lançaria mais um álbum em vida, tendo como alvo a Burguesia. Logo ele, que sempre frequentou as festas do Grand Monde. Mas já estava muito debilitado fisicamente. Tornou-se símbolo da luta contra o preconceito da Aids no Brasil. Admitiu publicamente a doença e nunca perdeu as esperanças de buscar uma cura.

Mas em julho de 1990, a vida, louca vida, vida breve, fez o que ele tanto pediu no palco. Já que ele não podia levar a vida, a vida o fêz, levando-o deste mundo. E a música nunca mais tocou daquele jeito.

Hoje em dia, sua obra é reverenciada pelos críticos e público. Suas canções ainda embalam a memória dos que têm mais de 30 anos de idade. Mas o Poeta está vivo de verdade. Pois mesmo a geração mais recente reconhece o valor de alguem que tinha um sonho e procurou vivê-lo de todas as formas possíveis, transformando o tédio em melodia. Buscando todo amor que houvesse nessa vida, com algum trocado prá dar garantia.

Para dar uma exemplo de sua obra, optei pelo dueto antológico com a Gal Costa, na canção Brasil, em evidência no final dos anos 80, por ter sido tema de novela da Rede Globo.

O trono do reino pop está vago?

2010-06-19T21:23:00.000-07:00

Um ano depois da notícía que surpreendeu o mundo do pop, ainda é difícil dimensionar o impacto da morte de Michael Jackson na indústria do show business e da música. Ele já não tinha mais o mesmo apêlo comercial dos anos 80. Mas sua influência na nova forma de divulgação da música, os vídeoclipes, é evidente. Passou-se a dar uma importância maior a produção dos vídeos e aos shows ao vivo, sem sombra de dúvida.

Mas a pergunta que não quer calar é uma só: o trono do Rei do Pop permanece vago ou já há algum sucessor em potencial? Há alguem que consiga aliar a dança com a música de forma tão sincronizada e competente como Michael Jackson fazia e procurou fazer até o fim de sua vida?

Não discuto a questão de seus hábitos esquisitos, pois parecia uma criança que não cresceu e preferia viver na sua Terra do Nunca, como na história de Peter Pan. Sua transformação física, que foi pública e notória, só provocou uma onda de boatos sem fim. Os seguidos escândalos envolvendo menores também desgastaram sua imagem pública. Mas a sua obra musical ainda permanece atual. Isso ninguém é capaz de contestar

Ouvir os discos Off The Wall e Thriller é o mesmo que ter uma aula de música pop de qualidade. Junto com o produtor Quincy Jones, Jackson, que ainda criança foi revelado no grupo vocal Jackson 5 com os irmãos, lançou bases sólidas. Billie Jean, Rock With You e tantas outras canções são ícones que mesclam elementos da tradicional soul music com uma série de outras influências.

Muitos são os candidatos ao trono de rei do pop. Falam em Justin Timberlake, por exemplo. Eu acredito que o trono ainda está vago. Nenhum artista atual conseguiu chegar perto do impacto que produziu Michael Jackson. Pode até ser que alguem surja nos próximos anos e nos surpreenda como ele fez. Mas por enquanto, são apenas boas promessas.

Como exemplo de sua genialidade, optei postar a canção que mais gosto de seu repertório. Billie Jean é a cara dos anos 80, pois ajudou embalou a trilha sonora da década.

Stevie Wonder mais vivo do que nunca

2010-05-25T20:27:00.000-07:00

Presenciar um show de Stevie Wonder corresponde o mesmo que ver um jogo de futebol ganho antecipadamente, e de goleada. Não bastasse ser uma lenda viva da música internacional, ele ainda destila no palco clássicos que permanecem atuais no tempo presente mesmo tendo sido compostos há decadas atrás. Sua energia no palco continua intacta, para a felicidade geral da nação que curte a boa música regada ao estilo soul norte-americano com generosas pitadas pop.

Seu lançamento mais recente, o CD e DVD Live At Last, é uma prova incontestável de que seu talento está imune ao teste do tempo. Funciona como uma coletânea de clássicos revisitada de forma competente ao vivo.

O disco abre com uma sequência que inclui as canções Master Blaster (com arranjo no estilo reggae nos metais) e a bela As If You Read My Mind, que apesar de menos conhecida, não deixa a qualidade do show cair.

Ele toca um medley com canções de dois grupos britânicos da década de 60, os Beatles e os Rolling Stones (I Wanna Hold Your Hand e Satisfaction), usando o talk box, uma espécie de equipamento eletrônico acoplado a um pedal de efeitos sonoros, com o qual ele emula sons com a própria voz, imitando uma guitarra.

Mas é nos clássicos que Stevie Maravilha nos brinda com sua tradiconal perfomance cheia de energia. Não há como evitar sair dançando ou estalar os dedos ao ouvir os arranjos de Signed Sealed Delivered I´m Yours e Sir Duke, ambas mantendo o conteúdo das gravações originais.

Superstitious é um capítulo a parte. Um divisor de águas na música soul de seu álbum antológico dos anos 70 (Talking Book). A canção foi elevada até a última potência por conta de seu poderoso riff, quase beirando o jazz. Não é a toa que ela é constantemente regravada por músicos ligados ao jazz ou mesmo ao rock, como Jeff Beck (que aliás se situa no meio termo entre os dois estilos).

Nas baladas ele se mostra insuperável. Lately, que Gal Costa cantou em português nos anos 80 (Nada Mais), é de uma beleza ímpar, assim como My Cherie Amour (cantada em uníssono pelo público presente) e You Are The Sunshine Of My Life (a minha preferida de seu repertório).

Se você quiser comprar um disco ou DVD sem ter medo de arriscar, opte por Live At Last. Dificilmente você deixará de gostar das maravilhas cantadas pelo Stevie Wonder. Desde já, um item imprescindível em sua coleção particular.

Como não há vídeos disponíveis na internet do show, optei por colocar uma apresentação de 2009, na qual Stevie Wonder divide o palco com Jeff Beck, com o clássico Superstitious. Isso já dá uma amostra do que você irá encontrar em Live At Last.

Roger Hodgson em Sampa

2010-05-16T20:46:00.000-07:00

Nunca escondi de ninguém ser fã de Supertramp. Suas canções embalaram minha adolescência e até hoje perduram em minha memória. E as que eram soladas por aquele cantor de voz em falsete agudo eram as que eu mais gostava. Pelo simples fato de que eram canções mais emblémáticas. O cara abordava temas com os quais eu me identificava, como a que tratava das angústias de ter que encarar a maturidade antes do tempo previsto (The Logical Song) ou a que dava aquele tapa certeiro na cara dos descrentes(Dreamer).

No dia 14 de maio, tive a oportunidade de ver o tal cantor da voz em falsete, chamado Roger Hodgson, em um show no Via Funchal. Para a ocasião ele montou uma banda de apoio que procurou reproduzir com perfeição a sonoridade de seu antigo conjunto, que havia deixado em 1983 para se dedicar mais a família e a sua carreira solo.

E para minha grata satisfação, percebi que a voz de Hodgson continua intacta, apesar da idade (fez 60 anos em março). Sua musicalidade e presença de palco também não foram afetadas pelo o tempo. É um daqueles artistas facilmente reconhecíveis ao primeiro acorde da canção ou no primeiro verso cantado.

O show contou com os velhos clássicos do Supertramp. Abriu com Take The Long Way Home (com direito a introdução de gaita harmônica e seguiu com Give A Litte Bit e Hide In Your Shell. Apresentou canções do álbum Crisis What´s Crisis? (Easy Does It, Sister Moonshine e Lady) que foram reconhecidas pelo numeroso público que lotou as dependências do Via Funchal.

Na parte final, a execução de Fool´s Overture, uma peça musical de 10 minutos, com influência direta do rock progressivo, levou a plateia ao delírio. E no bis, ele ainda emendou duas canções incrivelmente atuais: School e It´s Raining Again, ambas cantadas em uníssono pelo público.

Como fã, fiquei plenamente satisfeito. Não pela repetição dos clássicos em si. Mas pelo fato de vê-lo vivo, feliz e ainda com algo a dizer ao público em geral com sua música. Suas canções mais recentes, como The Awakening e Along Came Mary provam que ele continua produzindo pérolas musicais que precisam ser melhor divulgadas. A música pop e o rock agradeceriam de bom grado tal contribuição.

Para quem não conhece sua obra ou não teve oportunidade de vê-lo ao vivo em São Paulo, segue abaixo um vídeo gravado em 2006 em Montreal, com o clássico Dreamer.

Erasmo Carlos - 50 anos de Rock

2010-05-03T20:16:00.000-07:00

Sem fazer muito alarde, o nosso eterno Tremendão, Erasmo Carlos, está completando 50anos de carreira. Começou um pouco depois do seu parceiro, o Rei Roberto Carlos, é bem verdade. Mas sua trajetória singular dentro da música serviu para mostrar o quanto é inquieta a sua personalidade, sempre ligada ao autêntico rock´n roll.

Nascido em 1941 na Cidade Maravilhosa, Erasmo Esteves (seu nome verdadeiro) atuou como um coadjuvante de luxo no movimento musical que marcaria a década de 60: a Jovem Guarda. Formou um trio com Roberto Carlos e Wanderléa que se tornaria símbolo do programa semanal que embalaria as jovens tardes de domingo. Impossível deixar de lembrar de suas performances ao vivo, dedilhando a corrente como se estivesse tocando uma guitarra, com as mãos cheias de anéis.

Sua gravação de Sentado a Beira do Caminho (composta em parceria com Roberto Carlos)acaba sendo marcada como o canto do cisne da Jovem Guarda. Foi tão marcante que até hoje ele é obrigado a cantar essa composição em seus shows.

No início dos anos 70, acontece uma guinada corajosa em sua carreira musical. Em 1971 grava o antológico álbum Carlos, Erasmo, que traz uma sonoridade diferente daquela que ele desenvolvia na Jovem Guarda. Inclui canções de Caetano Veloso, Taiguara e faz uma bela releitura de Teletema, canção de Antonio Adolfo (autor de Sá Marina).

A partir daí ele lançou discos cada vez mais densos (A Banda dos Contentes foi um exemplo). Mas jamais perdeu o bom humor e a descontração que tanto marcaram a sua carreira. O Tremendão explorava sons da MPB, inspirado por nomes como Chico Buarque. E ganhava cada vez mais o respeito da crítica ao compor canções que defendiam temas sérior, como a preservação do meio ambiente. Isso em uma época que o termo ecologia ainda era algo abstrato para o público em geral.

Sua apresentação equivocada na primeira edição do Rock´n Rio, em 1985, não conseguiu manchar a sua carreira. O próprio produtor do evento, o empresário Roberto Medina, admitiu que foi um erro coloca-lo junto com grupos como AC/DC e Iron Maiden. O público jamais ia aceitá-lo ali.

Hoje em dia o Tremendão tem lançado álbuns bem cuidados, que têm no rock a sua principal fonte de inspiração. Se o Rei Roberto se atirou de cabeça na música romântica, Erasmo serviu como o fiel da balança, mantendo o pé firme no rock e experimentando novas sonoridades.

Não foi por acaso que o nome do seu disco mais recente, gravado em 2009, acabou sendo batizado apenas como Rock´n Roll. E é imperdível. O Tremendão continua cantando como nunca. Brinca de Raul Seixas na canção Cover (Sou um cover de mim mesmo...), retoma a questão ambiental (Chuva Ácida) e associa a figura da guitarra com a da mulher (A guitarra é uma mulher).

Erasmo Carlos podia ter se acomodado ao lado da parceria com Roberto Carlos. Mas não fez isso. Continuou desenvolvendo sua carreira solo com integridade e, acima de tudo, autenticidade. Ele é sempre lembrado como o verdadeiro Pai do Rock Nacional. Aquele que nunca abandonou o estilo, mesmo tendo explorado outras sonoridades.

Quem quiser ouvir uma prévia do seu último disco pode acessar o site oficial do Tremendão (www.erasmocarlos.com.br), que fornece ainda outras informações sobre o seu trabalho mais recente. Ou então ler a sua divertida autobiografia, intitulada Minha Fama de Mau (nome de um de seus hits dos anos 60).

Escolhi postar o vídeo da faixa de abertura de seu último disco. E que por sinal é um dos grandes momentos do CD. Vida longa ao nosso Tremendão.

Renato Russo - Tempo Perdido

2010-03-28T16:32:00.000-07:00

Tenho certeza que os 50 anos que Renato Russo competaria no dia 27 de março seriam mais do que uma celebração. Se estivesse vivo, creio que estaria envolvido com a música. Mas de uma forma mais relaxada, aproveitando mais o tempo ao invés de simplesmente desperdiçá-lo. Estaria ele mais maduro e seguro do que ele queria como artista.

Comentar o seu mais recente disco, Duetos, seria desnecessário. Não há grandes novidades. Algumas faixas já foram mais do que tocadas nas rádios, como Mais Uma Vez, com o grupo 14 Bis. O disco na verdade funcionaria como uma mera coletânea, não fosse pelo belo dueto com a Fernanda Takai. Unidos pela tecnologia. Takai e Russo cantam Like a Lover, versão em inglês de O Cantador, de Dori Caymmi e Nelson Motta. A mesma canção que Elis Regina defendeu em um festival de música dos anos 60. Mas a versão em inglês é a mesma que o músico Sérgio Mendes gravou na mesma época.

Só me pergunto se mais uma coletânea desse tipo seria necessária? Morto em 1996, Renato Russo deixou dois discos solo e uma carreira intensa com a banda Legião Urbana, cujo legado é até hoje reverenciado pelos fãs e pelo público que viveu os anos 80. Mesmo a geração dos anos 90 não deixa de reconhecer Russo como um dos ícones do Rock Nacional. Alguém cujas letras tinha alguma consistência poética convincente. Alguém que tinham algo para dizer ao jovem e ao público em geral.

Duetos só teve o mérito de trazer a tona o mito em torno de Renato Russo. Muito mais do que um cantor, ele trouxe para o rock um tipo de música que tanto podia ser contestatória (Geração Coca-Cola, Que País é Este?) como poderia tratar de assuntos ligados ao coração das pessoas (Quando o sol bater na janela do seu quarto, Vamos fazer um filme). Com certeza, foi uma vida breve, mas muito intensa no meio musical. E parafresando o trecho uma de suas canções mais conhecidas: Não foi tempo perdido. Nada foi em vão. Senão, a sua obra não estaria por aí, sendo reverenciada por várias gerações.

Escolhi este vídeo por ser junto com o Herbert Vianna. Além de conviver com ele em Brasília, Herbert ainda deu uma força para o amigo, gravando uma canção no primeiro disco dos Paralamas do Sucesso (Química) e levando uma fita com músicas da Legião Urbana para a gravadora.

O mar e a música

2010-02-11T17:34:00.001-08:00

É possível falar da música sem o mar? E o mar, existiria sem a música? Essas são duas questões difíceis de responder. O fato é que a história registra essa relação. Desde os primórdios a imensidão e os mistérios do mar inspiram poetas, músicos e intérpretes.As canções que exaltam o mar tem uma espécie de encanto e magia que atraem a atenção do ouvinte.

Uma cantora que sempre teve uma forte identificação com o mar foi Clara Nunes. Falecida precocemente em 1983, Clara, cujo apelido era Guerreira, deixou uma obra musical riquíssima com sua potente voz. São tantas as composições em que ela exalta o mar, que fica difícil escolher a mais bonita. Conto de Areia é um dos exemplos.

Também é impossível deixar de mencionar o nome do baiano Dorival Caymmi. Como poucos, ele traduziu as belezas da vida do mar, inserindo personagens típicos de nosso País, como os pescadores, em suas composições.O Bem do Mar é considerada uma de suas obras musicais mais bonitas.

Nos anos 80, o jornalista Nelson Motta se uniu ao músico Lulu Santos. Juntos, produziram uma das canções mais bonitas da época. Como Uma Onda é um marco na carreira de Lulu, que até hoje é obrigado a cantá-la nos shows.

E no exterior a paisagem do mar também inspira os artistas. Nos anos 70, o escocês Rod Stewart fez sucesso com a balada Sailing, composta por Gavin Sutherland. E até hoje ele a canta em seus shows.

É por essas e muitas outras composições que não podemos deixar de associar o mar com a música. Ouso dizer que a música talvez não fosse tão bela se não houvesse o mar para inspira-la. Como um poeta que precisa de sua musa para inspirar sua obra-prima.

A Essência do Rock´n Roll - parte 2

2009-12-28T14:47:00.000-08:00

Na última postagem procurei enfatizar a importância dos riffs dentro do contexto do rock´n roll. E é claro que muitas lacunas surgiram, pois era (e ainda é) humanamente impossível dimensionar isso dentro de alguns vídeos e linhas de texto. Nesta segunda parte procurarei citar alguns casos de grupos e artistas que também considero essenciais para a consolidação do movimento musical mais importante da cultura pop mundial.
Se falamos de riffs, é porque sem eles o rock praticamente não existiria. Ou pelo menos perderia e muito a sua força como movimento. Diria que o rock não vive sem o riff e vice-versa.

Na sequência, veremos um dos grandes criadores de riffs do planeta. Tomy Iommi, guitarrista do Black Sabbath, que executa um dos primeiros hits da banda, Paranoid

O The Who sintetiza a rebeldia dos anos 60. Ainda que tenha perdurado durante todos esses anos e até se rendido ao mainstream comercial, ninguém questiona a habilidade de Pete Townshend como guitarrista. Confira esse eletrizante riff de 1971, Won´t Get Fooled Again

Em passagem recente pelo Brasil, Angus Young mostrou porque a banda australiana AC/DC mexe tanto com as cabeças dos amantes do bom rock. Com uma receita aparentemente simples, eles descomplicam o rock por meio de riffs pesados e bem marcados. Aqui, um hit supremo da banda, Back In Black, de 1980

E antes que me acusem de saudosista, por postar bandas mais antigas, cito uma que se situa no meio termo. Pearl Jam, cria do movimento grunge dos anos 90, com o hit Alive, de seu aclamado álbum de estreia (Ten).

Eu poderia citar uma centena de outros exemplos, sejam eles de grupos antigos ou mais atuais. O fato é que em todos os casos constata-se que o riff é uma peça fundamental dentro do que se chama rock´n roll.

A Essência do Rock´n Roll

2009-12-11T17:04:00.000-08:00

O que seria do rock se não houvesse o riff da guitarra elétrica? Muito embora não haja uma relação direta com o movimento musical rebelde que tomou de assalto os anos 50 e 60 e depois se rendeu ao apelo comercial nas décadas seguintes, é fato que as principais bandas e artistas usam esse recurso como forma de despertar o interesse do público.

Muitos roqueiros de plantão costumam dizer que se você não obtiver um riff convincente de seu instrumento, dificilmente conseguirá um hit ou colocar a canção em um patamar acima das outras.

Para quem não sabe, riff, de acordo com o site wikpédia, é uma progressão de acordes, intervalos ou notas musicais, que são repetidas no contexto de uma música, formando a base ou acompanhamento. Riffs geralmente formam a base harmônica de músicas de jazz, blues e rock.

Na prática, costumo dizer que o riff é o tal som que mexe com a mente, que faz você entrar no clima da canção, arrepiando a pele. É capaz de deixar o dia mais triste do mundo com um sol ensolarado.

Poderíamos citar inúmeros exemplos. Talvez um dos mais célebres fabricantes de riffs do rock seja o veterano Chuck Berry, que por sinal esteve recentemente se apresentando no Brasil. No final dos anos 50, ele emplacou uma série de hits antológicos, mesclando influências do blues com o folk. Posto aqui o vídeo de Johnny B. Goode, uma das canções emblemáticas daquela época.

Passando pelos Beatles, nos anos 60, temos outros diversos exemplos de riffs. Um dos mais marcantes, na minha modesta opinião, é Day Tripper, com um genial trabalho de George Harrison na guitarra. Confira

E não podemos deixar de mencionar Keith Richards, dos Rolling Stones. Seguramente um dos grandes criadores de riffs deste século, além da sorte de contar como parceiro com um tal de Mick Jagger. Vejam Satisfaction com a primeira formação da banda, nos anos 60.

Um dos mais geniais riffs está inserido em Smoke On The Water, da banda britânica Deep Purple. Além de ser um solista de mão cheia, o guitarrista Ritchie Blackmore também conseguia produzir bases incrivelmente eficazes, que eram sempre amparadas por um competente time de músicos. Esta apresentação é de 1973, um ano depois do lançamento disco Machine Head, que contém essa canção.

Eric Clapton é um dos maiores solistas do rock, sem dúvida. Possui um legado musical incrivelmente rico, calcado principalmente no blues, sua principal fonte de inspiração. Esta canção, Layla, tem um dos mais belos riffs da história do rock. Aqui ele toca em uma apresentação nos Estados Unidos.

E nas décadas seguintes os riffs ainda permaneceram nos hits relacionados ao rock´n roll. Nirvana, Pearl Jam e outras bandas do chamado movimento grunge tinham riffs marcantes. Mas optei por postar uma banda da mesma época, que colocou a guitarra em primeiro plano novamente nas rádios: Guns´n Roses, com Sweet Child Of Mine.

Por essas e outras é que vemos sempre bandas se utilizando dos riffs para consolidarem seus hits nas rádios e no gosto popular. A fórmula pode até ser antiga, mas ainda funciona. Exatamente como aquele xarope para tosse que nossas avós recomendavam para as nossas mães.

O longo caminho de Yusuf Islam

2009-12-05T19:48:00.000-08:00

Quando o artista se retira da cena musical, fica sempre uma dúvida quanto ao seu retorno no futuro. Ainda mais quando ele resolve mudar radicalmente seu estilo de vida e religião. Porém, no caso de Yusuf Islam, conhecido nos anos 70 como Cat Stevens, a situação permanece inalterada. Seu mais recente disco, Roadsinger, trouxe novamente a tona seu talento nato para compor baladas em arranjos folk e formato acústico.

Para quem não se recorda, Cat Stevens reinou nos anos 70 nas rádios. Quem não se lembra de canções como Wild World, Morning Has Broken e Father And Son, entre tantas outras que tocaram a exaustão nas rádios. Nos anos 80, resolveu se afastar da mídia e se converter a religião muçulmana. O exílio voluntário duraria até o lançamento de An Another Cup, que confirmou seu talento nato como musico pop. Na sequência chega agora o disco Roadsinger

Yusuf Islam é um daqueles músicos que tem a preocupação de transmitir mensagens, positivas ou não, para o público. E esse novo trabalho é denso e ao mesmo tempo fácil de ouvir. Estaria com certeza inserido em sua discografia dos anos 70.

É difícil até elencar as melhores canções. Todas são excelentes. Desde a densa faixa que dá nome ao CD (Roadsinger), até as etéreas baladas Welcome Home e The Rain, tudo é perfeito dentro do universo folk de Yusuf Islam. Refrões fáceis de memorizar, entoados pela mesma voz agridoce dos anos 70.

O vídeo oficial da canção Roadsinger mostra Yusuf Islam dirigindo uma perua Kombi. Ao fundo, se vê imagens que pontuaram sua carreira, como o símbolo do movimento hippie do final dos anos 60 e uma mensagem pacifista, mostrando uma cidade atingida por um ataque aéreo e um jovem com expressão de choro (Aonde vamos parar?, diz o refrão da canção).

Longe de soar piegas, a mensagem pacifista é mais do que atual, ainda mais com as tensões provocadas pelos ataques do dia 11 de setembro de 2001, que refletiram até mesmo em sua pessoa, quando foi proibido de entrar nos Estados Unidos, por causa de sua religião.

O novo disco de Yusuf Islam/Cat Stevens é de longe um dos melhores lançamentos do ano. Pode até estar um degrau abaixo em relação ao que ele produziu nos anos 70. Mas certamente é superior a muitos outros que já foram lançados nesse estilo nos últimos tempos. Uma verdadeira aula de como produzir um disco pop acústico e de bom gosto.

Roupa Nova em Londres

2009-11-09T19:23:00.000-08:00

Certos grupos nacionais acabam tendo o seu reconhecimento tardio, mesmo desenvolvendo uma carreira pontuada pela venda de discos. Este é o caso do Roupa Nova. A crítica sempre foi implacável com o conjunto, desde que a banda mergulhou fundo no som mais comercial, talhado para tocar na rádio. A partir daí, poucas vezes houve uma unanimidade em torno do seu trabalho.

A recente conquista do prêmio Grammy Latino pelo disco lançado em março deste ano, o Roupa Nova em Londres, fez justiça a um grupo formado por músicos competentes que sempre buscaram tocar aquilo que o público queria ouvir.

É bom que se diga que a crítica nunca fez falta para o Roupa Nova. Seus shows pelo País são sempre concorridos, ainda que a banda tenha permanecido por algum tempo afastada das rádios. O público se manteve fiel durante todos esses anos.

O disco gravado na Inglaterra traz de novo o som que o público está acostumado a ouvir. São canções pop, a maioria delas composta pelos próprios integrantes. Uma exceção é a faixa de abertura: Do Outro Lado da Calçada, de Rodrigo Saldanha e Cláudio Rabelo, solada pelo baterista Serginho, que também resgata uma canção antiga do repertório da banda, a balada romântica Sonhos, gravada originalmente nos anos 80.

Cantar Faz Feliz o Coração, de Ricardo Feghali (teclados) e Nando (baixo), usa sampes de Superstition, de Stevie Wonder, com aquele clima de gravação ao vivo. A faixa Todas Elas, composta e solada pelo baixista Nando, é um tributo ao chamado sexo frágil. "As mulheres são tão iguais. Todas tem o seu desejo", diz a letra.

Como o estúdio escolhido foi o Abbey Road, o Roupa Nova optou por fazer um belo tributo: a releitura de She´s Leaving Home, dos Beatles, que ganhou um belo arranjo de cordas e os vocais impecáveis do grupo.

Está certo afirmar que esse trabalho não tem a mesma consistência do primeiro disco, que emplacou no início dos anos 80 hits do calibre de Sapato Velho e Canção de Verão. Mas também é correto afirmar que Roupa Nova em Londres, mais do que satisfazer um desejo pessoal dos integrantes da banda de gravar no estúdio dos Beatles, mantém uma carreira coerente e acima de tudo, bem próxima do público, independente de tocar nas rádios ou não.

A força do Rock

2009-11-02T18:14:00.000-08:00

A banda santista Shadowside tinha tudo para estar atravessando um período difícil. As trocas de integrantes antes do segundo disco deixaram os fãs apreensivos. E para aumentar mais a tensão, o primeiro disco, Theatre Of Shadows, recebeu rasgados elogios da crítica especializada do Brasil e do exterior.

Porém, nada disso se confirmou. Dare To Dream é tão bom ou até superior ao primeiro disco da banda. Um excelente álbum, que mescla peso de canções baseadas no rock dos anos 70/80 com momentos mais calmos, como a balada Time To Say Goodbye.

A vocalista Dani Nolden resolveu assumir a posição de front woman. Escreveu a maioria das letras. E se aliou ao não menos talentoso guitarrista Raphael Mattos, que ingressou nessa nova formação, um fã confesso de Scorpions e outras bandas dos anos 70/80, como Pantera e Iron Maiden, assim como a vocalista (que tem a banda Heart como uma de suas referências). A banda é completada pelos competentes Edu Simões (baixista, outro estreante) e Fábio Buitvidas (baterista remanescente da primeira formação).

Dare To Dream é um disco de rock. Esqueça os estereótipos ou os incontáveis rótulos do Metal. Canções como Baby In The Dark e In The Night (esta é a minha preferida) são perfeitamente comerciais, ou como querem os entendidos - pop.

Os vocais de Dani Nolden estão mais afiados do que nunca. Ela não tem os dotes operísticos de uma Tarja Turunen. E ainda bem, pois o rock pede mesmo é aquela pegada forte, capaz de te convencer a ouvir a faixa do início ao fim. E isso ela tem de sobra

Como disse anteriormente, há espaço para as baladas na Shadowside. Time To Say Goodbye tem uma melodia que lembra os bons momentos do Scorpions (a tal referência do guitarrista Raphael).

A produção de David Schiffman, um nome experiente que já trabalhou com grupos como Red Hot Chilli Peppers e Audioslave, entre outros, foi um fator decisivo para o êxito desse segundo disco. Ele deixou a banda a vontade no estúdio, ao invés de interferir no trabalho.

Dare To Dream é o apêlo sincero de um grupo de músicos que deseja conquistar o mundo. E tem tudo para conseguir alcançar seu objetivo. Um som forte, potente, que pode ser tocado em qualquer parte do planeta. Vida longa para a Shadowside.

Os Beatles remasterizados

2009-10-23T20:24:00.000-07:00

A notícia do relançamento dos discos oficiais dos Beatles remasterizados trouxe um novo alento para os fãs que buscam novidades. Porém, para nós, reescrever esta história é sempre um desafio.

Chegaram a me sugerir fazer um box explicando cada disco. Mas, como a ideia já foi exaustivamente executada, inclusive recentemente, por vários outros veículos de comunicação, optei por comentá-los em um único texto.

Os discos originais da primeira fase da banda, de 1962 a 1965, mostram uma série de detalhes interessantes que o ouvinte mais atento perceberá. Please Please Me, With The Beatles, A Hard Day´s Night, Beatles For Sale e Help, têm uma sonoridade mais compacta, com os eternos refrões grudentos (quem é que não sabe assobiar a introdução de Love me Do?). John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr tem sua área de atuação definida dentro das gravações.

A diferença é justamente a separação dos instrumentos provocada pela remasterização. Ficou mais clara a forma de atuação dos Beatles como instrumentistas. O trabalho de base (baixo e bateria) dos arranjos ficou bem mais perceptível.

A partir dos álbuns Rubber Soul e Revolver, que representam um período de transição da banda (entre 1966 e 1967), marcado pelo falecimento do empresário Brian Epstein, o som fica mais trabalhado. A produção fica mais clara em composições que usam os chamados recursos de estúdio, como Tomorrow Never Knows (do disco Revolver).

Entre 1967 e 1969, a fase final da banda, temos pelo menos três obras-primas: Seargent Pepper`s Lonely Heart´s Club Band, o Álbum Branco e Abbey Road, este o último gravado em estúdio pelos quatro integrantes. Todos discos que usam e abusam dos recursos de estúdio. Nesse caso, a remasterização somente agregou valores ao que já era bom. O mesmo vale para o Magical Mystery Tour, que tem faixas experimentais como I Am The Walrus. Let It Be, o derradeiro álbum lançado em 1970, na verdade já havia sido concebido quase um ano antes. O som das faixas desse disco ficou ainda melhor.

Tudo o que se gera de lançamentos relativos aos Beatles sempre causa um certo frisson na mídia em geral. Mas apesar de ter sido contada inúmeras vezes, a trajetória dos Beatles permanece servindo como referência para músicos de várias partes do mundo.

A música segundo Wilson Simonal

2009-10-06T21:33:00.000-07:00

Quando morreu em 25 de junho de 2000, aos 62 anos de idade, completamente esquecido da mídia, Wilson Simonal sequer imaginava que sua obra seria reverenciada pelo público das mais variadas gerações nos anos seguintes. Apontado como um dos intérpretes mais versáteis da MPB, Simonal deixou um legado que atesta toda a sua genialidade.

Independentemente da fama de dedo-duro do regime militar, motivada pela relação conturbada com o contador, Simonal conserva uma especie de aura em torno de seu talento, que o transformou em uma unanimidade. Mesmo os que não o consideram um injustiçado reconhecem que ele era um excelente cantor, capaz de conduzir as massas com um hit emprestado do cancioneiro popular (Meu Limão, Meu Limoeiro).

O documentário Ninguém Sabe o Duro que Dei, produzido e dirigido por Cláudio Manoel, do programa Casseta e Planeta, tem uma trilha sonora composta por 16 canções que retratam fielmente a trajetória do ídolo que dominou o meio artistico dos anos 60 no País.

Parece improvável que um artista negro pudesse rivalizar com o Rei Roberto Carlos em pleno auge da Jovem Guarda. Mas foi exatamente o que aconteceu. Em 1969, em um Maracanãzinho lotado, ele participou de um show antológico com a banda de Sérgio Mendes e provou a força de seu carisma.

Na trilha, há os hits grudentos - no bom sentido - como Carango (de onde foi retirada a frase que inspirou o nome ao documentário) e Mamãe Passou Açúcar em Mim e Vesti Azul. Nem Vem Que Não Tem pode ser apontada como precursora do hip hop nacional, com sua interpretação quase falada dos versos.

Simonal brinca até com a bossa nova. Balanço Zona Azul, incluída na trilha do documentário, é uma amostra do que ele poderia fazer com o estilo musical de harmonias difícieis.
Para Simonal, a música era sem limites. Tinha um senso de divisão comparável aos dos grandes cantores americanos. O inglês, aliás, ele dominava como ninguém.

Tributo a Martin Luther King, composta pelo próprio Simonal em parceria com Ronaldo Bôscoli, tem uma letra engajada que reverencia o líder pacificista americano que morreu assassinado em 1968.

E o que dizer de Sá Marina? Não há como ficar indiferente com a interpretação de Simonal, incrivelmente densa e emocionada. Ele parece brincar com os versos alegres da canção de Tibério Gaspar e Antonio Adolfo (...Roda pela vida afora e põe prá fora essa alegria...).

Simonal pode até não ter sido um injustiçado. Mesmo que todas as acusações sobre sua pessoa tivessem sido comprovadas, o seu legado musical não merecia ter sido relegado a um ostracismo cruel. Não é à toa que o documentário está resgatando sua obra musical, despertando o interesse de um público cada vez maior.

O estilo country segundo John Fogerty

2009-10-01T20:40:00.000-07:00

Trinta a seis anos depois de ter prestado um tributo a country music em seu primeiro trabalho como artista solo, o músico John Fogerty, fundador da banda Creedence Clearwater Revival, retoma as raízes folk em seu mais recente lançamento. The Blue Ridge Rangers Rides Again traz vários clássicos do estilo que serviu de base para sua formação musical.

No primeiro trabalho, lançado em 1973, Fogerty tocou a maioria dos instrumentos. Desta vez, ele se cercou de um time competente de músicos. E ainda contou com Bruce Springsteen como convidado em uma das faixas (When Will I Be Loved).

O disco tem 12 clássicos de artistas como John Prine, Buck Owens, Everly Brothers e John Denver. A mescla de canções feitas por gerações diferentes parece que deu ao disco um frescor novo. Não soa repetitivo, embora o estilo country costume tender para o mais comercial, fácil de tocar em rádio.

É impossível deixar de relacionar a música country com o Creedence e, por consequência, com o trabalho solo de Fogerty. Basta escutar os discos de sua antiga banda e de sua fase atual como artista solo, para perceber a nítida influência em várias canções, além do rock´n roll dos anos 50/60, é claro.

Back Home Again é uma ótima canção de John Denver que Fogerty resgata de forma oportuna e competente. E se complementa de forma hamônica com outras mais antigas, como Moody River, sucesso de Pat Boone do início dos anos 60.

A instrumentação é discreta e jamais se sobrepõe a melodia e a voz de Fogerty (que está em plena forma), apesar de o artista ser um solista competente. Os arranjos funcionam como uma moldura de um quadro, que só complementa e ressalta a beleza da obra de arte.

É possível notar que algumas canções do disco poderiam ter sido lançadas em álbuns do Creedence, como I Don´t Care (Just as Long as You Love me) e I´ll Be There (não confundir com o hit homônimo do Jackson 5).

The Blue Ridge Rangers Rides Again é um disco que agrada tantos os fãs do Creedence como os que admiram os estilos country e folk. Com esse novo trabalho, Fogerty acerta mais uma vez no gosto do público. E mostra para as gerações mais novas como foi moldado o seu estilo inconfundível como cantor e compositor

Os Pedaços Musicais de Simone

2009-09-16T19:58:00.000-07:00

No final da década de 70, depois de lançar trabalhos elogiados pela crítica, a cantora baiana Simone atingia o auge de sua carreira com o disco Pedaços. Há 30 anos, o álbum ajudou a impulsionar a carreira da intérprete, atingindo um público ainda maior, através de um repertório da mais alta qualidade, que incluia canções de Chico Buarque, Ivan Lins e Milton Nascimento, entre outros.

A direção de produção ficou a cargo de Renato Correa, integrante do grupo vocal Golden Boys. Ele recrutou os arranjadores Gilson Peranzetta e Nelson Ayres, e um time de músicos experientes como Robertinho Silva (bateria), Alemão (guitarra), Chico Batera (percussão), Roberto Sion (saxofone), Danilo Caymmi (flauta), entre outros. Milton Nascimento também participa tocando violão nas duas composições de sua autoria, em parceria com Fernando Brandt (Povo da Raça Brasil e Itamarandiba).

Coube a Ivan Lins o mérito de oferecer a canção mais emblemática do disco. Começar de Novo, composta em parceria com Vitor Martins, foi tema do seriado Malu Mulher, da Rede Globo, protagonizado pela atriz Regina Duarte. E até hoje é repetida nos shows ao vivo da cantora. Acabou se tornando um hino de liberdade da mulher descasada, que mostrava ser possível seguir a vida depois do fim de um casamento ou de uma outra relação afetiva desfeita.

A faixa seguinte, Sob Medida, é de Chico Buarque, que consegue traduzir poeticamente a visão da alma feminina. Uma letra bem ao seu estilo, que a intérprete carrega em tom de bolero, dizendo que é melhor seu parceiro dar graças a Deus por tê-la ao lado (...Se você crê em Deus, encaminhe pro´s céus uma prece. E agradeça ao Senhor. Você tem o amor que merece).

Povo da Raça Brasil, de Milton Nascimento, tem batida inspirada no candomblé. E uma letra que ressalta o sentimento de brasilidade e união que caracteriza o povo de nosso País. Condenados, de Fátima Guedes, é uma canção romântica que nunca cai no piegas, pois tem a dose certa de emoção (Ah, meu amor, estamos condenados.Nós já podemos dizer que somos um...).

Cordilheiras é uma parceria de Sueli Costa com Paulo Cesar Pinheiro. O resultado dessa união foi uma canção com letra forte e engajada, que Simone fez questão de carregar de emoção ao interpretar. A versão de Outra Vez, canção de Isolda lançada por Roberto Carlos dois anos antes, é um primor. Simone navega com precisão pelos versos românticos e derramados eternizados pelo Rei.

Vento Nordeste, da dupla Sueli Costa/Abel Silva, e Saindo de Mim, de Ivan Lins e Vitor Martins, são canções igualmente fortes. A primeira, que trata de uma relação com a paisagem e a natureza de uma localidade, e a segunda trata novamente sobre o fim de uma relação (...Voce foi saindo de mim, devagar e prá sempre. De uma forma sincera. Definitivamente...).

O samba Tô Voltando, que costuma ser errôneamente atribuído a Chico Buarque, é na verdade de Paulo Cesar Pinheiro e Maurício Tapajós. Tem uma mensagem positiva, que anuncia a chegada da pessoa amada. E foi bem executada nas rádios.Itamarandiba tem letra genial de Fernando Brandt que cita Carlos Drummond de Andrade (No meio do meu caminho sempre haverá uma pedra...).

O disco fecha com uma versão quase a capela de Pedaço de Mim, de Chico Buarque. Gilson Peranzetta só faz intervenções bem discretas nos teclados, deixando a voz forte de Simone sempre em primeiro plano.

Pedaços é um álbum atemporal, com uma sonoridade incrivelmente atual. É o auge da intérprete. Ainda que tenha produzido discos excelentes ao longo dos anos seguintes, Simone nunca conseguiu alcançar a mesma densidade musical desse trabalho.

Era uma Vez o Homem e Seu Tempo

2009-08-31T21:10:00.000-07:00

Há 30 anos, o cantor e compositor cearense Belchior lançava um dos álbuns mais emblemáticos de sua carreira. Era uma vez o homem e seu tempo, o quinto de sua discografia, trouxe para o público toda a sua genialidade como letrista, aliada com músicas de fácil apêlo popular, feitas para tocar no rádio.

Um ano antes ele havia lançado um álbum irregular, que alternava momentos geniais com outros sofríveis motivados por imposição da gravadora (a regravação da canção Na Hora do Almoço em ritmo dançante foi um exemplo disso).

Neste álbum Belchior teve liberdade para criar composições inéditas sem a obrigação de regravar seus sucessos antigos. Abre com o hit radiofônico Medo de Avião, em que brinca com o mito do medo de voar, simulando um flerte com a aeromoça. E ainda mostra a influência musical dos Beatles em sua formação.

Retórica Sentimental, em ritmo reggae, traz uma letra que expressa o seu amor pela cultura brasileira, assim como Brasileiramente Linda, em que exalta a beleza da mulher brasileira. Novamente os Beatles são citados em um trecho da canção.

A parceria com Toquinho rendeu duas canções para o disco: Pequeno Perfil de um Cidadão Comum e Meu Cordial Brasileiro, ambas letras que ressaltam a cultura popular sem cair na tentação do ufanismo.

Tudo Outra Vez é uma obra prima de seu cancioneiro. Mais parece uma reportagem musical, em que cita uma série de referências de sua época, aliada com uma mensagem positiva. (...vou viver as coisas novas, que também são boas. O amor, humor das praças cheias de pessoas. Agora eu quero tudo. Tudo outra vez...).

Outra pérola é Comentário a Respeito de John, composta em parceria com José Luiz Penna. A homenagem ao ídolo John Lennon, o ex-beatle que morreria um ano depois, assassinado a tiros por um fã obcecado nos Estados Unidos, é um dos momentos mais fortes do disco. Tem arranjo predominantemente acústico, onde se destaca o solo de violino. E transmite a mensagem para o público sobre a decisão do artista de viver a sua própria vida longe dos holofotes da mídia. (Saia do meu caminho, eu prefiro andar sozinho, deixem que eu decida a minha vida..).

Voz da América mostra o seu orgulho de ser latino americano, que ele já havia exaltado em uma outra canção bem conhecida lançada anteriormente. A letra quase épica traz uma mensagem igualmente positiva. (..Na fúria das cidades grandes, eu quero abrir a minha voz. Cantar, como quem usa a mão para fazer um pão...).

Espacial é uma canção romântica e atemporal, na qual ele brinca com elementos da poesia e com os sons das palavras. (Deixa o cansaço, apressa o passo e vem correndo pro terraço e abre os braços pro espaço que houver...). Há ainda uma segunda versão de Medo de Avião, com arranjo mais cadenciado. Essa faixa foi composta em parceria com o baiano Gilberto Gil e também tocou nas rádios na época.

Era uma vez o homem e seu tempo mostra Belchior em seu melhor momento como letrista e intérprete. Não há canções medianas ou fracas. Todas são excelentes. Uma pena que os 30 anos de seu lançamento tenham sido ofuscados pelo sumiço voluntário do compositor, explorado a exaustão por uma certa emissora de televisão e pela mídia em geral.

Os 30 anos da decolagem do 14 Bis

2009-08-19T21:22:00.000-07:00

Há 30 anos, uma banda iniciava uma viagem musical dentro de nossa MPB. Utilizando o nome do aeroplano criado pelo pai da Aviação, Santos Dumont, e tendo Milton Nascimento com padrinho musical, os integrantes do 14 Bis formariam um dos grupos mais respeitados e queridos do País.

A fórmula começou a ser trabalhada no final dos anos 70 através dos integrantes que faziam parte do grupo de rock progressivo O Terço, no caso, Flávio Venturini (teclados e voz) e Sérgio Magrão (baixo). Os dois uniram forças com Vermelho (teclados e voz) e Hely (bateria), que por sua vez haviam trabalhado com o grupo Bendegó. A inclusão de Cláudio Venturini (guitarra e voz), um talentoso guitarrista e irmão de Flávio, foi um processo natural dentro do projeto musical que tomava forma.

A ideia consistia em fazer um som mais próximo da MPB. O rock progressivo se tornava um estilo cada vez mais segmentado E Flávio Venturini e seus amigos ambicionavam atingir um público maior, tendo como principal influência os Beatles, seja na forma de compor, seja nas harmonias das vozes.

Coube ao músico e compositor Milton Nascimento a responsabilidade de produzir o primeiro disco da banda. E como presente, ele e o inseparável parceiro Fernando Brandt fizeram uma letra em português para a canção Unencounter, de autoria da dupla e que havia sido composta em inglês. Trata-se da célebre Canção da América e o resto da história todos já conhecem.

Um dos segredos do 14 Bis era (e ainda é) o poderoso vocal em coro, incrivelmente harmonioso, que predomina em quase todas as canções, ainda que em determinados momentos um dos integrantes se destaque de forma ocasional. A base instrumental dos músicos, que já tinham uma relativa experiência de palco, só reforçou ainda mais o trabalho realizado.

Por ser de estreia, o disco de 1979 apresenta um repertório impecável. De cara, emplacou nas rádios a canção Natural (que até hoje é executada nos shows ao vivo) e a já citada Canção da América. As rádios também tocaram bastante a faixa de abertura, Perdidos em Abbey Road, que contou com arranjo do maestro Rogério Duprat, um dos ícones do movimento Tropicália no final dos anos 60.

Mesmo as canções menos conhecidas são excelentes. Pedra Menina, Meio-dia, Cinema de Faroeste, Ponta de Esperança e a etérea Sonho de Valsa, entre outras, traziam uma renovação para a nossa música popular no final dos anos 70. Não foi por acaso que os músicos acabaram acertando em cheio o gosto do ouvinte. E emplacariam vários hits nos álbuns seguintes.

Hoje em dia a banda permanece em atividade somente com quatro integrantes, uma vez que Flávio Venturini saiu do grupo no final dos anos 80 para seguir carreira solo. Porém, a sonoridade continua intacta. Quem puder conferir o último trabalho, o DVD ao vivo gravado em Belo Horizonte, não irá se arrepender de embarcar em uma viagem musical que, felizmente, não tem data e nem hora prá terminar.

20 anos sem Raul Seixas

2009-08-15T22:12:00.000-07:00

Escrever algo a respeito de Raul dos Santos Seixas, um baiano que encontrou no rock sua razão de viver, é quase uma obrigação nesse espaço. Sua obra musical, de conteúdo anárquico, que chegou até a incomodar o Governo Militar no Brasil nos anos 70, permanece atual e conquistando novos fãs, 20 anos depois de sua morte em um apartamento na Capital Paulista, vítima de um ataque cardíaco, com apenas 44 anos de idade, depois de uma longa luta contra o alcoolismo.

O rock foi a mola-mestra que impulsionou Raulzito (apelido dado pelos amigos) para a carreira musical. Foi ouvindo discos de Chuck Berry, Elvis Presley e Little Richard que ele moldou sua carreira. E fundiu aquele som novo com algo bem próximo de sua cultura na Bahia: o forró e o baião. Luiz Gonzaga e Elvis Presley eram influências muito fortes e talvez por isso ele tenha enxergado algumas coincidências na forma crua de interpretação de ambos os estilos.

Se o primeiro disco, lançado em 1967, com seu grupo, os Panteras, foi um fracasso, o mesmo não podemos dizer dos trabalhos da década de 70. Além de emplacar hits nas rádios, ele começava a formar uma legião de fãs, que o acompanharia até o final da carreira.

Krig-Ha Bandolo, de 1973, funciona como um marco musical. A introdução do disco é uma gravação de Raul ainda adolescente cantando Good Rocking Tonight de Elvis Presley. E depois segue a irreverente Mosca na Sopa, que já misturava elementos da nossa MPB com o rock´n roll.

A faixa seguinte, Metamorfose Ambulante, composta por Raul na adolescência, é de uma riqueza impar. Trata daquele pensamento de ser mutante, de poder mudar de opinião na hora que se bem entender, de não se mostrar satisfeito com metas fáceis (é chato chegar a um objetivo num instante Prefiro ser aquela metamorfose ambulante...).

E é desse disco o seu primeiro grande sucesso: Ouro de Tolo. Uma letra em tom de deboche em pleno período da Ditadura Militar (Eu devia agradecer ao Senhor por ter tido sucesso na vida como artista. Eu devia estar feliz porque consegui comprar um Corcel 73...)

E os versos finais de Ouro de Tolo acabam soando proféticos, analisando o seu final solitário em São Paulo. (Eu que não me sento no trono de um apartamento, com a boca escancarada, cheia de dentes, esperando a morte chegar...).

As demais faixas são igualmente geniais. As Minas do Rei Salomão, Rockxixe, A Hora do Trem Passar, Al Capone (em que ele aconselha o famoso gangster a mudar de vida) também são recheadas de mensagens fortes e diretas, sem floreios, assim como a etérea How Could I Know, composta em inglês.

O trem de Raulzito continuaria nos trilhos nos discos seguintes. Gita, por exemplo, emplacaria novos hits, colocando Raul entre os maiores vendedores de discos do País. Mas podemos dizer que Krig-Ha Bandolo deu o pontapé inicial para os álbuns geniais que ele lançaria nos anos seguintes.

Chickenfoot é rock básico

2009-07-29T21:27:00.001-07:00

A receita não é nova, mas parece que ainda funciona. Quatro nomes conhecidos da história do rock decidiram unir forças e formar mais um supergrupo: Chickenfoot. Apesar de ser um nome prá lá de estranho (a tradução é pé de galinha), é o resultado da união do vocalista Sammy Hagar (ex-Montrose e Van Halen) com o baixista Michael Anthony (ex-Van Halen), o virtuoso guitarrista Joe Satriani e o competente baterista Chad Smith (do Red Hot Chilli Peppers).

A sonoridade é calcada no hard rock dos anos 70, onde os riffs de guitarra se sobressaem nos arranjos. Uma tarefa fácil para um músico do quilate de Satriani, acostumado a passear pelas escalas pentatônicas de sua guitarra.

É impossível deixar de associar o som com o do Van Halen, até porque há dois ex-integrantes desse grupo nessa nova banda. Mas isso não representa um ponto negativo. Pelo contrário: Sammy Hagar teve ótimos momentos no Van Halen. E vale acrescentar que Satriani tem o mesmo tipo de pegada virtuosa nos solos.

O single de divulgação do disco, Oh Yeah, é bem descontraído e mostra uma banda descompromissada, apesar de todos os integrantes saberem bem o que querem. Mas há ótimos momentos nas faixas Sexy Little Thing, Runnin Out, Get It Out e Down The Train, todas de fácil audição para quem gosta do bom e velho rock´n roll.

Para Satriani, esta é uma ótima oportunidade para mostrar ao público que ele consegue também desenvolver um traballho em paralelo ao da música instrumental.

Se por um lado a crítica no exterior ficou dividida em relação ao disco (alguns elogiaram enquanto outros divulgaram comentários negativos), para o ouvinte fica a imagem de mais uma banda disposta a se divertir na estrada do rock. It´s Only Rock´n Roll, but I Like It.

O que é que esta portuguesa tem?

2009-07-29T05:54:00.000-07:00

Se estivesse vivo, o compositor Dorival Caymmi talvez desejasse fazer uma brincadeira com a canção O que é que a baiana tem?, ao ouvir o disco Você e Eu, gravado pela cantora portuguesa Teresa Salgueiro com o Septeto de João Cristal.

O disco recria com maestria 22 clássicos da nossa música popular, a ponto de fazer o ouvinte duvidar se a cantora tem realmente origem lusitana. A entonação da voz da soprano é perfeita e se encaixa dentro das composições.
O característico sotaque lusitano só é percebido em alguns raros momentos do disco.

O repertório escolhido passa pela época de ouro do rádio (Na Baixa do Sapateiro, Risque, Samba da Minha Terra) e pela Bossa Nova (Triste, Você e Eu, Inútil Paisagem, Felicidade), até chegar a produção mais recente dos anos 60 e 70 (A Banda e Valsinha). E revisita ainda um chorinho classico de Pixinguinha com letra de Vinícius de Morais (Lamento).

São canções que por si só já agradariam qualquer amante da nossa boa música. Mas todas ganham um frescor novo com os arranjos semijazzísticos e acústicos do Septeto de João Cristal. Chovendo na Roseira, por exemplo, parece evocar Elis Regina e Tom Jobim, no disco genial que ambos gravaram juntos em 1974.

Ex-vocalista do grupo Madredeus, Teresa Salgueiro mostra que tem um brilho próprio. Mas parte parte do sucesso também se deve ao grupo que a acompanha. João Cristal e seu Septeto se integraram com perfeição ao nosso cancioneiro popular.

O segredo talvez resida no fato de Teresa Salgueiro não ter tido a preocupação de imitar ídolos ou recriar arranjos anteriores. Ela simplesmente prestou um tributo sincero, mostrando um enorme respeito pela nossa cultura, que por sinal nunca deixou de estar próxima de Portugal. E os versos finais de Lamento parecem explicar o seu amor pela nossa MPB ("...não há coisa mais linda neste mundo, que meu carinho por você").

Voltando a Caymmi, que por sinal é lembrado em dois momentos no disco (Samba da Minha Terra e Maracangalha), talvez ele perguntasse agora, atualizando a letra de seu clássico dos anos 40: O que é que a portuguesa tem? E a brincadeira ganha ares de profecia se lembrarmos que a primeira intérprete dessa canção, Carmem Miranda, nasceu em Portugal. Um sinal de que talvez essa relação musical estava escrita nas estrelas, ou melhor, na esquadra que conduziu Pedro Álvares Cabral até o nosso País.

Uma grande aventura

2009-07-27T21:34:00.000-07:00

Este é um momento especial. Creio que pode ser o começo de uma grande aventura, sempre norteada pela música, sem preconceitos. Somente uma opinião sincera, aberta para debates com pessoas interessadas no mesmo assunto.
Ao comentar lançamentos ou mesmo relembrar fatos que marcaram uma época, penso que o mais importante é não demarcar fronteiras e procurar ser isento. Senão o trabalho perde o sentido e não atinge o seu objetivo. As pessoas merecem conhecer mais sobre música e suas vertentes e influências dentro da cultura pop contemporânea.
E é isso. Vamos lá, pois o trabalho nos espera!