Lô Borges e o seu Horizonte Vertical

Cada vez mais. Lô Borges vai se fechando em copas, ou melhor, em Minas Gerais. Cercado de amigos de origem mineira ou com raízes fortes em seu estado, ele lançou em 2011 o disco Horizonte Vertical, no qual se mostra aberto para novas parcerias , produzindo um som mais pop, próprio para tocar em rádio, apesar de alguns costumeiros experimentalismos sonoros, que sempre pontuaram a sua carreira.

Uma das parcerias foi com Fernanda Takai, da banda Pato Fu, com quem Lô divide os vocais nas faixas On Vênus, Antes do Sol, Xanana e Quem Me Chama. Dessas quatro, Quem Me Chama é a que possui um som pop mais acentuado. E uma letra até inocente em sua mensagem de amor: "Quando vi/Quem me chama/Era tanta coisa pra dizer/Era luz/Era sombra/Era só você o meu querer..."

Samuel Rosa, do Skank, já havia feito parcerias anteriormente com Lô. E desta vez, os dois brindam o público com a canção que dá nome ao disco - Horizonte Vertical, que também tem colaboração de Nando Reis. A letra mostra uma aparente inspiração nos Beatles: "Sem cortinas os olhos vêem bem mais/O horizonte vertical/Recortando a luz que os olhos têm/Vendo um cartão postal..."

E dupla Lô e Samuel Rosa ainda compôs com Patrícia Maês a canção Nenhum Segredo, que mantém a veia pop das demais faixas, lembrando um pouco a fase do disco Todo Prazer, de Lô.

O eterno parceiro Milton Nascimento, com quem Lô gravou o álbum Clube da Esquina em 1972, aparece na faixa Da Nossa Criação, que Lô escreveu com Patrícia Maês, novamente com inspiração beatlemaníaca: "...No rastro dos pedaços/Dos nossos passos/Na imensidão/Onde se encontra a chama/Que não se apaga/Da nossa criação..."

Na faixa Mantra Bituca, Lô Borges homenageia o amigo Milton, que novamente participa nos vocais, tocando o seu inseparável violão.

Lô ainda aparece em três faixas em momento solo: De Mais Ninguém, O Seu Olhar, Você e Eu e Canção Mais Além. Nenhuma delas foge da veia pop observada nas demais faixas.

Horizonte Vertical não tem a pretensão de superar obras consagradas no passado. Mas é uma ótima pedida para o ouvinte saber como está um dos mentores do movimento musical Clube da Esquina no início dos anos 70. Que por sinal, continua respirando os ares mineiros de forma inquieta, buscando inspiração para novas canções.

Link para música Horizonte Vertical

Paul McCartney volta para o passado

Há tempos que Paul McCartney acalentava esse sonho. Afinal de contas, as canções que nortearam sua infância e a adolescência, vindas principalmente de filmes musicais do cinema, ainda permaneciam em sua mente. E finalmente a ideia saiu do papel, com o velho Macca assumindo o papel de crooner no melhor estilo anos 40/50.

Kisses On The Bottom é basicamente um disco de releituras. Contém apenas duas canções inéditas: My Valentine (parceria com Eric Clapton) e Only Our Hearts, esta última tocada em parceria com outra lenda, Stevie Wonder, com quem já tinha trabalhado nos anos 80 em duas canções, sendo Ebony And Ivory a mais célebre delas.

As duas inéditas, aliás, seguem o mesmo tipo de arranjo das releituras das canções antigas. McCartney fez questão de manter uma sonoridade limpa e básica, semelhante a de um disco antigo dos anos 40, mantendo-se fiel a trilha sonora de sua infância.

Para o público brasileiro, talvez seja um pouco difícil reconhecer as canções eleitas por McCartney para esse disco. Paper Moon é uma das mais próximas, por conta de ter sido regravada também por Natalie Cole no disco tributo ao seu pai, Nat King Cole, nos anos 80. Algumas das pérolas musicais escolhidas foram originalmente interpretadas por nomes como Fred Astaire. Ou compostas por ícones como Cole Porter e Harold Arlen, entre outros.

Ac-Cent-Tchu-Ate The Positive, de Harold Arlen, é uma faixa que exemplifica bem a sonoridade que MCCartney definiu para o disco. Uma batida jazzística bem na linha do já citado mestre Nat King Cole. E uma interpretação recheada de respeito de McCartney pelos seus ídolos.

My Very Good Friend The Milkman, escrita por Johnny Burke, também foi regravada por Eric Clapton em um de seus discos mais recentes. Curiosamente, tanto Clapton como McCartney são britânicos e viveram a infância no auge dos musicais de cinema. Isso talvez explique a paixão que ambos nutrem por essas composições antigas.

Bye Bye Blackbird nada tem a ver com Blackbird, composição de estilo folk de McCartney incluída no mítico Álbum Branco dos Beatles. Trata-se na verdade de uma canção escrita em 1926, por Ray Henderson e Mort Dixon.

Para os beatlemaníacos, Kisses On The Bottom pode ser uma decepção pelo simples fato de ter pouca produção própria de McCartney. Porém, quem for esperto e ouví-lo com a devida atenção, irá perceber de onde o velho Macca buscava tanta inspiração para compor as suas próprias obras-primas. E cá entre nós: quem coleciona Beatles, vai acabar comprando o disco de qualquer jeito.

Quando o blues e o jazz se unem

Quando soube desse disco, fui logo buscando informações pela internet. Eric Clapton, lenda viva do blues e do rock, resolve unir forças com ninguém menos do que o também lendário músico de jazz Wynton Marsalis. Em comum, os dois são defensores da tradição de seus respectivos estilos musicais. Frequentemente gravam discos mantendo-se fiéis aos arranjos originais.

Nesse trabalho registrado em disco ao vivo, batizado como Pay The Blues, a proposta foi um pouco mais ousada. Foi montada uma banda aos moldes antigos, com ênfase no naipes de metais, ao estilo do jazz que era praticado em New Orleans, nos Estados Unidos, no início do século passado. E escolheram um repertório com clássicos dos anos 40/50, além de uma releitura pouco convencional de Layla, de Clapton.

O disco segue a linha musical do mestre Big Joe Turner, um músico que fez bastante sucesso no final dos anos 50, que foi um dos responsáveis pelo que viria a ser conhecido como Rock´n Roll nos anos seguintes. Não por acaso há uma composição feita em sua homenagem e a releitura de Corina Corina, um hit de seu repertório que fez sucesso até no Brasil com outros intérpretes.

Na prática, a sonoridade mescla o jazz tradicional com o rock´n roll dos anos 50, que naquela época tinha uma presença muito forte do blues tocado com guitarra elétrica.

Para os puristas, ouvir Layla com um arranjo bastante modificado em relação ao original pode ser um choque no início. Mas depois da segunda audição, o ouvinte se convence que a proposta é bem interessante e acaba gostando do resultado final.

Pay The Blues é um projeto conceitual, ou seja, fora dos padrões convencionais dos dois músicos. Foi mais um ponto positivo para a carreira do mestre Clapton, que se associa de forma brilhante a outro mito (Marsalis).

O soul man está de volta

Certas vozes têm o dom de transportar nossas mentes para um tempo diferente do atual. E impressionam pela qualidade perene que desenvolvem apesar do passar dos anos. Como um bom vinho, elas se aprimoram a cada ano que passa.

Com o cantor de soul Percy Sledge, esta máxima prevalece. Seu disco lançado recentemente, My Old Friend The Blues, é muito mais do que um resgate do passado. Ele provou que sua música atravessou décadas. E ainda serve como referência para a música pop. É uma verdadeira aula de soul para os intérpretes iniciantes.

Para quem não se lembra, Sledge é o cantor que lançou em 1966 o antológico hit When A Man Loves A Woman, que foi regravado várias vezes ao longo dos anos. Mas nenhuma versão conseguiu superar a sua, que continua mais atual do que nunca.

O disco tem 14 faixas, a maioria delas com canções que ele ainda não havia gravado. Curiosamente, os arranjos saudosistas sugerem que elas soem como seus antigos hits. Shinning Through The Rain, por exemplo, tem arranjo calcado na soul dos anos 60, com os metais e a guitarra marcando o ritmo.

A voz de Percy Sledge oscila de forma coerente entre o amargo e o doce. Um timbre agudo que parece querer rasgar os corações a sua volta. Mas que também consegue ser doce ao cantar as indefectíveis baladas soul que pontuam seu repertório desde os anos 60.

Voltando ao disco, as faixas contém canções com influências do folk e soul. E claro, o velho amigo blues também comparece na faixa Big Blue Diamonds. A balada soul Misty Morning só confirma que o mestre continua em plena forma. Impossível não se deixar emocionar com essa sua interpretação.

Infelizmente, o CD ainda não chegou ao mercado brasileiro. E é bem provável que nem seja lançado. Uma pena, pois um artista com a tradição de Percy Sledge merecia um espaço bem maior do que é disponibilizado no mercado fonográfico, que se limita apenas a lançar coletâneas de seus antigos hits.

De volta ao passado

Poucos discos me empolgaram tanto quanto o último de Phil Collins. Ainda que seja um disco inteiro com covers dos anos 60/70, feito basicamente do som da gravadora americana Motown, é um trabalho passional, no qual Collins busca olhar para trás, mostrando o tipo de som que norteou o seu início na música. O que levou a escolher a profissão de fé na qual se consagraria como um dos maiores nomes do pop rock mundial.

O disco tem vários bons momentos. Collins buscou canções que se moldam bem ao seu estilo de vocal. Mas é preciso entender que ele é britânico e de cor branca. Ou seja: por mais que tente render tributo ao estilo soul, sempre faltará um algo mais, que só um vocalista negro (ou afrodescendente) poderia acrescentar.

Para gravar o disco ele reuniu os músicos que tocavam no estúdio da Motown, apelidados de Funk Brothers. Com seu time de amigos, fez uma cozinha ritmica impecável, que pode ser notada nas faixas Heatwave e Girl (Why You Wanna Make Me Blue). O resultado falha um pouco em canções como Papa Was A Rolling Stone. Mas nas de formato pop, feitas para tocar em rádio, Collins deita e rola à vontade.

A faixa título, Going Back, é de uma rara beleza. Não se sabe bem se é uma despedida (ele enfrentou sérios problemas de saúde nos últimos anos) ou apenas um olhar saudosista para o passado. Mas é certo que a melodia de Carole King e a letra de Gerry Goffin caíram como uma luva para o momento que ele atravessa.

20 anos sem Cazuza

Atendendo a pedidos, reproduzo no blog o texto publicado pelo Jornal A Tribuna no dia 9 de julho, sobre os 20 anos da morte de Cazuza, o Poeta do Rock Nacional.

Seu partido era nada mais do que um coração partido. E 20 anos depois da morte do poeta do rock, Cazuza, ainda continuamos como aquele menino que queria mudar mundo imaginava que estaríamos: assistindo a tudo em cima do muro.

Agenor de Miranda Araújo Neto, o Cazuza, nasceu na Cidade Maravilhosa. Foi exagerado talvez nas palavras e no seu jeito de viver, sempre nas curvas na estrada. Mas, solidão, que nada. Como vocalista do Barão Vermelho, catalisou um momento mágico do rock nacional na década de 80, ao interpretar clássicos como Bete Balanço, Todo Amor Que Houver Nessa Vida e Pro Dia Nascer Feliz. E firmou uma sólida parceria musical com Roberto Frejat, guitarrista do grupo.

Suas letras refletiam uma melancolia incomum. Tanto que quem escutava logo se identificava com os compositores clássicos da MPB, como Lupicínio Rodrigues e Dolores Duran. Dois nomes que aliás foram importantes em sua formação artística.

As desavenças pessoais com os demais integrantes do Barão Vermelho acabaram por empurrá-lo em uma carreira solo que teve sucesso fugaz. Os dois primeiros discos emplacaram hits nas rádios. Mas foi com Ideologia, o terceiro álbum solo, que ele deu um salto de qualidade em seu trabalho.

Virou porta-voz da nação ao comparar o Brasil com uma festa onde você é barrado enquanto os corruptos se aproveitam da situação. Mas também era capaz de emocionar ao transformar uma simples canção pop em um clássico em ritmo bossa nova. Faz Parte do Show foi trilha sonora de novela e da vida de muitos que viveram com intensidade os anos 80.

Gravou um disco ao vivo, que conta com o clássico O Tempo Não Para, cujo clipe causou polêmica por mostrá-lo cuspindo em uma bandeira nacional jogada no palco.
A sua atitude agressiva refletia que a píscina de Cazuza estava mesmo cheia de ratos. A Aids, resultado de uma vida vivida sem limites, começava a cobrar o preço de seus excessos.

Ainda lançaria mais um álbum em vida, tendo como alvo a Burguesia. Logo ele, que sempre frequentou as festas do Grand Monde. Mas já estava muito debilitado fisicamente. Tornou-se símbolo da luta contra o preconceito da Aids no Brasil. Admitiu publicamente a doença e nunca perdeu as esperanças de buscar uma cura.

Mas em julho de 1990, a vida, louca vida, vida breve, fez o que ele tanto pediu no palco. Já que ele não podia levar a vida, a vida o fêz, levando-o deste mundo. E a música nunca mais tocou daquele jeito.

Hoje em dia, sua obra é reverenciada pelos críticos e público. Suas canções ainda embalam a memória dos que têm mais de 30 anos de idade. Mas o Poeta está vivo de verdade. Pois mesmo a geração mais recente reconhece o valor de alguem que tinha um sonho e procurou vivê-lo de todas as formas possíveis, transformando o tédio em melodia. Buscando todo amor que houvesse nessa vida, com algum trocado prá dar garantia.

O trono do reino pop está vago?

Um ano depois da notícía que surpreendeu o mundo do pop, ainda é difícil dimensionar o impacto da morte de Michael Jackson na indústria do show business e da música. Ele já não tinha mais o mesmo apêlo comercial dos anos 80. Mas sua influência na nova forma de divulgação da música, os vídeoclipes, é evidente. Passou-se a dar uma importância maior a produção dos vídeos e aos shows ao vivo, sem sombra de dúvida.

Mas a pergunta que não quer calar é uma só: o trono do Rei do Pop permanece vago ou já há algum sucessor em potencial? Há alguem que consiga aliar a dança com a música de forma tão sincronizada e competente como Michael Jackson fazia e procurou fazer até o fim de sua vida?

Não discuto a questão de seus hábitos esquisitos, pois parecia uma criança que não cresceu e preferia viver na sua Terra do Nunca, como na história de Peter Pan. Sua transformação física, que foi pública e notória, só provocou uma onda de boatos sem fim. Os seguidos escândalos envolvendo menores também desgastaram sua imagem pública. Mas a sua obra musical ainda permanece atual. Isso ninguém é capaz de contestar

Ouvir os discos Off The Wall e Thriller é o mesmo que ter uma aula de música pop de qualidade. Junto com o produtor Quincy Jones, Jackson, que ainda criança foi revelado no grupo vocal Jackson 5 com os irmãos, lançou bases sólidas. Billie Jean, Rock With You e tantas outras canções são ícones que mesclam elementos da tradicional soul music com uma série de outras influências.

Muitos são os candidatos ao trono de rei do pop. Falam em Justin Timberlake, por exemplo. Eu acredito que o trono ainda está vago. Nenhum artista atual conseguiu chegar perto do impacto que produziu Michael Jackson. Pode até ser que alguem surja nos próximos anos e nos surpreenda como ele fez. Mas por enquanto, são apenas boas promessas.

Como exemplo de sua genialidade, optei postar a canção que mais gosto de seu repertório. Billie Jean é a cara dos anos 80, pois ajudou embalou a trilha sonora da década.